CLASE 22

Hoy ha sido la penúltima clase de Análisis, hemos tenido un examen teórico en el que debíamos llevar la Guía Docente, y relacionar las competencias que habían numeradas en ella con lo que hemos aprendido a lo largo del curso.  He tardado las dos horas en terminar el examen ya que esta asignatura, a pesar de haber durado menos de tres meses, ha sido muy intensa. No sé realmente si he escrito lo que ella busca encontrar al leer nuestros exámenes, pero he salido bastante contenta del examen.

CLASE 21

Hoy María Jesús ha dedicado una parte de a clase a explicar los tipos de tamaño,formato y marcos, que desempeñan un papel importante al presentar una obra, ya que causan un efecto en el espectador. Por ejemplo, una obra de grandes dimensiones puede llegar a sobrecoger a la persona que la mira.

Después, ha comenzado su lista de los cien artistas que más le gustan. Decía el nombre del artista, enseñaba alguna obra suya y después la explicaba, me ha sorprendido porque había obras que a simple vista no me llamaban tanto la atención pero después, al entender lo que significaban y su simbolismo, mi forma de mirarlas se transformaba totalmente. También habían artistas que me gustan y de los que ya había oído hablar antes, como Duchamp o Marina Abramovich. 

Obra de Lucio Fontana

(El papel está rasgado porque se queda pequeño para el Arte)

Obra de Marisa González

Obra de Isabel Muñoz

CLASE 20

Durante esta clase han dado la teoría de la luz, como no he podido asistir a clase, he preguntado a mis compañeras, y me han explicado que María Jesús les habló de los tipos de luz y de su simbología, además de comentar trabajos de un fotógrafo que trabaja con la luz: James Turrell.

Después han ido a ver una exposición en Aranjuez en a que han podido ver ejemplos del uso de la luz en el arte, me habría gustado mucho poder ir. Estas son algunas imágenes de obras de Julián Casado que he encontrado en internet:

CLASE 19

La clase de hoy ha sido muy interesante, hemos aprendido las posibilidades que ofrece la manipulación de la luz para crear efectos fotográficos. Ha despertado un interés en mí por la fotografía que no sentía antes, y ha pesar de no tener cámara y de no haber podido hacer ninguna foto hasta el final de la clase, me he quedado impresionada al ver las fotografías que se pueden tomaren un espacio oscuro usando simplemente luces, una linterna, y cambiando el tiempo de obturación.

Cuando estaba terminando la clase, he conseguido por fin descargarme la aplicación fv5, y he podido tomar una foto de nuestra compañera Inés, y al acabar la clase, me he quedado un rato con dos compañeras para tomar más fotos.  A pesar de que han salido bastante mal al haberlas hecho con el móvil (y no con un Iphone precisamente), me ha gustado aprender cómo se hace y espero ponerlo en práctica pronto.

Modelo: Inés
 Fotografía hecha por mí

Modelo: Irene
Fotografía hecha por mí

 María Jesús nos ha recomendado un fotógrafo llamado Paolo Roversi, que utiliza el efecto de la luz para fotografiar a las modelos, consiguiendo unos resultados muy bonitos:

Paolo Roversi

CLASE 18

DOSSIER

Consiste en un documento que contiene toda la vida profesional de un artista o una obra concreta. Es una presentación de lo que haces como artista y sirve para becas, concursos, etc. A pesar de que parece algo simple de elaborar, se necesita seguir una interminable serie de pautas para hacerlo de forma correcta.

 Debemos identificarlo apropiadamente (nuestro nombre debe aparecer de forma disimulada en todas las páginas), tenemos que tener en cuenta el tipo de letra, el título(*), el formato, las imágenes que van a aparecer, y muchas otras cosas más. En cuanto a lo último, las obras elegidas no tiene que ser la mejor, sino la que mejor se vea en fotografía, además no debemos crear expectativas enseñando primero la mejor obra y en el interior las peores, ya que creará el efecto contrario al que buscamos cuando cremas un dossier. Asimismo, debe tener un formato manejable, ya que como explicó María Jesús, los correctores tienen delante una gran cantidad de dossieres que corregir,así que es mejor que no sean muy aparatosos para facilitarles la corrección.

Hay que tener en cuenta detalles como los márgenes, la forma de imprimirlo, el papel que se va a utilizar, cómo se escribirá la traducción en inglés, ¡una buena presentación es fundamental!

Antes he marcado con un asterisco el título para comentarlo con más detalle, porque me ha parecido curiosa la forma que nos ha enseñado María Jesús de elegir uno. El método era el siguiente: se elige un libro (clásico preferiblemente) y se elige una página al azar, se escoge una frase que llame la atención y parezca que concuerda con nuestra obra y ese puede ser nuestro título, original y diferente.

CLASE 17: CONFERENCIA

Hoy han venido a Aranjuez dos profesionales en el ámbito artístico, en concreto, del psicoanálisis y del arteterapia, Helena Trujillo y Lucía Hervás.

Helena nos ha dado una conferencia sobre psicoanálisis enfocado al proceso creativo. Ha explicado que todas las personas pueden ser artistas, no sólo puede serlo un pequeño grupo de personas especiales dotadas de esa habilidad, sino que todos los seres humanos tenemos la capacidad innata de crear. Nos ha dado consejos para conocernos a nosotros mismos y ser capaces de psicoanalizarnos, y ha secundado sus argumentos con citas y pensamientos de otros artistas, filósofos, etc .

Imagen: subida por Alba Gázquez

Al final de la conferencia, ha dado tiempo para preguntar dudas y después ha dado paso a su compañera, Lucía Hervás, esta parte ha sido más amena porque, después de explicarnos de forma breve en qué consiste el arte-terapia, hemos experimentado cómo son las sesiones de esta rama de la terapia. 

Nos hemos cambiado de sitio y hemos formado grupos de cinco, después hemos hecho un ejercicio que consistía en hacer un dibujo en un papel durante 10 segundos y pasarlo a la derecha, de forma que al final recibíamos nuestro dibujo inicial completado con los de los demás miembros del grupo. 

El segundo dibujo consistía en tener una conversación con mi compañera Alba a través de dibujos, sin utilizar palabras:

Imagen: subida por Alba Gázquez

EXPOSICIÓN: LA TABACALERA

Se trata de una residencia-taller, en la que once artistas trabajan durante un mes, los proyectos realizados en este período se exponen al público. La exposición presentaba obras artísticas abstractas y contemporáneas, difíciles de entender al principio, pero poco a poco se iba entendiendo su significado. De todas formas, en mi opinión el arte no siempre tiene que tener una explicación racional, mientras nos provoque alguna emoción o nos haga plantearnos formas distintas de ver el mundo.

Imágenes: María Ponce y Paula Gómez

CLASE 16: EXAMEN Pt 2

Para la segunda parte del examen tuvimos que nombrar nuestro examen con un número o pseudónimo. Habiéndonos dividido en grupos de cinco, cada miembro recibía un examen (anónimo) de una persona de otro grupo, de forma que todos los grupos teníamos cinco exámenes.
Esta parte consistía en evaluar los exámenes correspondientes, de forma objetiva y siguiendo las pautas que nos había indicado María Jesús, y finalmente, hacer una evaluación grupal.

De esta forma, hemos demostrado nuestra capacidad analítica y crítica. Me ha parecido interesante porque he descubierto que evaluar no es algo simple y rápido, sino que requiere analizar detenidamente cada ejercicio para poder evaluar de forma justa.

TRABAJO SOBRE UN LIBRO: "PIENSA COMO UN ARTISTA"

TRABAJO SOBRE UN LIBRO: “PIENSA COMO UN ARTISTA”

INTRODUCCIÓN

Este trabajo consiste en la elección y análisis de un libro de la bibliografía o de los recomendados en clase por María Jesús. En el análisis hay que incluir una síntesis del libro, información acerca del autor/autores,  el motivo de nuestra elección, nuestra opinión personal y una conclusión, entre otros apartados.

1. AUTOR DE LA OBRA

El autor de “Piensa como un artista” es el escritor británico Will Gompertz. Además de haber escrito dos libros, es director de Arte de la BBC y dirigió la Tate Gallery durante siete años. Está considerado uno de los más destacados periodistas de arte moderno del mundo. Ha escrito para The Times y The Guardian durante más de 20 años y entrevistado a los principales artistas contemporáneos, incluyendo Damien Hirst, Ai Weiwei, Yoko Ono o David Hockney. En 2009, escribió e interpretó un monólogo sobre arte moderno en el Festival de Edimburgo. Ha sido nombrado uno de los 50 pensadores creativos más importantes a nivel mundial por la revista Creativity de Nueva York. Su trabajo le ha llevado a visitar el estudio de algunos de los artistas vivos más importantes y de la experiencia ha extraído conclusiones surgidas de preguntas que le planteaban.  

(Will Gompertz, 2013)

4. MOTIVO POR EL QUE ELEGÍ ESTE LIBRO

Hace unos meses vi un libro titulado “¿Qué estás mirando?” que me llamó la atención, ya que parecía un libro de historia poco convencional. Por eso, al ver que el autor de “Piensa como un artista” era el mismo y que el tema del que trata es muy interesante, me pareció el libro idóneo. Aún así, estuve considerando leerme “Wabi Sabi para artistas y creadores” o “La comunicación no verbal” pero me decanté por este ya que siempre me ha interesado el tema del proceso creativo, y también tengo que admitir que tenía dudas acerca de la afirmación de que todos podemos ser creativos.

3. RESUMEN

El libro que voy a comentar es un pequeño ensayo en el que el autor muestra una creencia infinita en el poder transformador de la creatividad. En él analiza de forma amena y accesible la creatividad: cómo surge, cómo se desarrolla, y sobre todo, desmiente la idea de que sólo ciertas personas pueden ser creativas, afirmando que el ser humano es creativo de forma innata y que esta creatividad está enfocada según el individuo a un ámbito u otro, pero que siempre está ahí.

Amparándose en su propia experiencia y en la de numerosos grandes artistas a los que menciona, va desgranando poco a poco en qué consiste la creatividad y cómo potenciarla al máximo.

4. CAPÍTULOS EN LOS QUE ESTÁ ORGANIZADO

El libro está dividido en once capítulos, cada uno parte de una premisa que el autor desarrolla y corrobora haciendo uso de anécdotas y pensamientos de grandes autores contemporáneos y clásicos. Lo sorprendente de esta obra es que no ordena los autores cronológicamente según la época a la que pertenecieron o pertenecen, si no que los va mencionando para reforzar sus argumentos según le conviene.

Los nueve primeros capítulos tienen como título acciones propias de los artistas, por ejemplo: “Los artistas roban” “Los artistas son valientes”, mientras que el capítulo 10 se titula “Todas las escuelas deberían ser escuelas de arte” y el último consiste en una reflexión de todo lo anterior.

La forma en la que está estructurado el libro ya es creativa de por sí, además de los títulos de los capítulos, que captan la atención y provocan interés por conocer su desarrollo.

Además, cada capítulo empieza con una breve explicación y una cita de un autor que se corresponda con el tema del capítulo en cuestión, como en la siguiente fotografía:

5. INTERPRETACIÓN PERSONAL DEL LIBRO

Este libro, a pesar de no ser extenso ni estar escrito de forma compleja, es inspirador y aporta mucha información interesante, ya sean datos y anécdotas sobre artistas tan importantes como Picasso o Caravaggio, como consejos y afirmaciones que sirven para cualquier tipo de proceso visual. En su simplicidad, contiene grandes verdades.

Al ser ameno, conciso e ir directo a los puntos más importantes, se hace accesible a cualquier lector, aunque no tenga conocimientos sobre arte. En mi opinión, he aprendido más de lo que podría haber aprendido en libros más técnicos y enrevesados, ya que la información que contiene es clara y se interioriza rápidamente. Además, no se pierde el interés a lo largo del ensayo, si no que dan ganas de leérselo hasta el final.

Uno de los capítulos que más me han llamado la atención ha sido “los artistas roban” porque ha echado por tierra mi creencia de que un buen artista tiene que ser totalmente original. En el capítulo, Gompertz aclara que el artista no tiene ideas que surgen de la nada, sino que son producto de la combinación de dos o más  ideas que ha extraído del mundo exterior, y son estas combinaciones las que son originales. De esta forma, a partir de ideas ya existentes cada persona crea combinaciones que dan lugar a un resultado distinto.

6. POSTULADOS QUE DEFIENDE

Will Gompertz defiende que cualquier persona puede ser creativa en algún ámbito, que es algo que nos caracteriza a los seres humanos. Esta creatividad e imaginación es la que nos va salvar en el futuro próximo, ya que máquinas y ordenadores se están apoderando de la mayor parte de los trabajos, pero éstos no tienen ni tendrán nunca nuestra capacidad para imaginar. También defiende que los artistas deben ser curiosos y escépticos, afirma que “si la necesidad es la madre del arte, la curiosidad es el padre”, para  crear algo interesante tenemos que interesarnos con pasión por algo. También afirma que los artistas son valientes, tienen que abrir sus emociones y expresar sus sentimientos abiertamente a los demás, exponiéndose a críticas y humillaciones, pero como dijo Dalí: no hay que tener miedo a la perfección, ya que nunca la alcanzaremos.

7. PUNTOS FUERTES DEL LIBRO

Como ya he comentado antes, en mi opinión el aspecto más positivo es la capacidad del autor de explicar de forma clara, sin irse por las ramas, pero a la vez enseñándonos lecciones que nos sirven tanto para nuestra carrera artística cómo para el día a día y a afrontar problemas.

También me ha gustado cómo consigue hacer pensar, mantener al lector activo, planteándole cuestiones que no suelen tenerse en cuenta. Algo muy interesante y, por lo menos para mí, innovador, es que Gompertz no se limita a analizar obras de arte si no que profundiza en lo que ha llevado a sus autores a producirlas, y las crisis que les han conllevado.

8. PUNTOS DÉBILES DEL LIBRO

Algunos capítulos me han interesado más que otros, y algunas afirmaciones eran algo obvias, pero en general considero que todos contenían consejos que intentaré seguir y datos sobre artistas que me han proporcionado más cultura y que no suelen estudiarse.

9. COMENTARIOS SOBRE EL LIBRO EN INTERNET

En general, el libro tiene muy buenas críticas, he encontrado muy pocas negativas, por ejemplo, una en la que el usuario se queja de que el libro es “superficial y muy atento a lo que la gente quiere oír”, que tiene “escaso valor y que si tuviera un título distinto, podría pasar como libro de entretenimiento, pero con el que tiene es un timo”, en su opinión el autor no entiende de arte y no aborda directamente el tema que sugiere el título. En contraste, las demás opiniones son alentadoras y en ellas se recomienda su lectura. La califican como “lectura imprescindible” o la recomiendan para creativos que necesiten un empujón.

10. CONCLUSIÓN

Para concluir, he de decir que el libro ha estado a la altura de mis expectativas, ha sido entretenido de leer, y a la vez muy instructivo e interesante. La forma en la que está estructurado, alternando imágenes, citas, anécdotas y experiencias personales, hacen de este libro una obra original y enriquecedora.

11. BIBLIOGRAFÍA

http://www.casadellibro.com/libros-ebooks/will-gompertz/20084206/1

http://www.rtve.es/noticias/20151127/will-gompertz-siendo-creativos-cuando-sentimos-profundamente-felices-realizados/1263489.shtml

https://laballesta.wordpress.com/2016/02/21/resena-de-libro-piensa-como-un-artista/

https://www.amazon.es/Piensa-Como-Artista-PENSAMIENTO-GOMPERTZ/dp/8430617612

https://laballesta.wordpress.com/2016/02/21/resena-de-libro-piensa-como-un-artista/

CLASE 15: EXAMEN Pt 1

Hoy hemos empezado el examen, que consistía en recortar trozos de revista en los que se viera claramente cada uno de los colores escritos en la pizarra por María Jesús y crear el mismo color con nuestra paleta básica. Al finalizar, teníamos que elaborar el complementario de cada uno y sus dos adyacentes. De esta forma hemos puesto en práctica nuestros conocimientos sobre el color.

Imágenes: subidas por mí.

CLASE 14

Esta clase trató sobre la forma, María Jesús puso un vídeo en el que se explicaba la teoría de la forma desarrollada por Leonardo da Vinci:

El hombre de Vitrubio, de Leonardo da Vinci

No pude asistir a clase ese día, pero me explicaron que había que hacer un trabajo en el que representásemos la forma de nuestro cuerpo aplicando los conocimientos sobre la forma y las medidas adquiridos en clase:

CLASE 13

El tema que abordó María Jesús en esta sesión fue el concepto de textura. La textura es la apariencia de una superficie: rugosa, áspera, suave, húmeda, entre muchas otras. Hay tres categorías para clasificar el tipo de textura: visual, natural o ficticia.

Las texturas visuales son las que podemos apreciar mediante la vista en fotografías o representaciones visuales. En las texturas naturales se corresponde lo que percibimos con la experiencia táctil, mientras que las texturas ficticias imitan la textura real.

Escultura de Ron Mueck (textura ficticia)

Nick Cave (textura ficticia)

Y por último, el que más me ha gustado: Zhang Huan

"Giant No 3"

"12 square meters"

Vídeo de una performance de Zhang Huan:
https://www.youtube.com/watch?v=KQTRI_eXo8M

Después, María Jesús hizo una demostración de texturas sacadas a partir de conchas, pelo, trocitos de papel...

Imágenes: subidas por mí

Luego, nos animó a hacer lo mismo buscando texturas y representándolas en un papel. Salimos fuera y usamos superficies rugosas de piedra, hojas y troncos de árboles.

CLASE 12

Terminaron las exposiciones de las investigaciones de un color, y María Jesús puso un vídeo: Las espigadoras y la espigadora, como no pude ir a clase, lo he buscado por internet. Se trata de un documental dirigido por la francesa Agnès Varda, quien recorrió Francia encontrándose con espigadores, recolectores, personas que buscan entre la basura. Recoge objetos tirados por otros por casualidad o necesidad. De hecho, la misma directora se considera una especie de espigadora que selecciona y recoge imágenes. Aquí dejo el enlace de una entrevista con Agnès Varda hablando sobre este proyecto cinco años después:

https://www.youtube.com/watch?v=3o238lSMjaM

EXPOSICIÓN MUSEO REINA SOFÍA

El viernes fuimos a ver la exposición de Marcel Boodthaers, como llegamos tarde, no pudimos verla con el resto del grupo, así que la vimos por nuestra cuenta. Sus obras me parecieron interesante porque se salían de lo clásico para adentrarse en un estilo más atrevido e innovador, algunas de las obras que vimos son las siguientes:

CLASE 11

En esta sesión, cada grupo presentó su trabajo de investigación sobre el color elegido y los demás teníamos que ir evaluando a nuestros compañeros. Al haber un tiempo límite, diez minutos, cada miembro del grupo tenía unos dos minutos para explicar su parte, así que muchos no pudieron terminar. Sin embargo, las presentaciones estuvieron bastante bien y algunas composiciones finales me sorprendieron mucho.

Nuestro trabajo fue sobre el color rosa, mis compañeros hablaron sobre su etimología, su aparición de forma predominante en películas y campañas de publicidad, su historia, etc. A mi me tocó hablar sobre el color rosa en obras de arte famosas, así que describí la época rosa de Picasso, durante la cuál pintó cuadros en los que aparecían tonos rosados, rojizos y ocres; y una obra de Sorolla, "La bata rosa".

La bata rosa, Sorolla

Familia de saltimbanquis, Picasso

                     

CLASE 10: TRABAJO GRUPAL-LEYES DE GESTALT

Para este trabajo elegimos la estética de obras de arte famosas, y el resultado fue el siguiente:

El hijo del hombre, René Marguerite

DE CIERRE: la completamos con nuestra imaginación. 

Hemos sustituido la manzana del cuadro original por la del logo de Apple, con el que reflejamos el tema del dinero.

Retrato de Van Gogh

La hemos catalogado como FIGURA DE FONDO, debido a que Alba y yo somos figuras que formamos la oreja y la nariz de Van Gogh, al igual que las plantas de marihuana, que definen el contorno de la cara. Con éstas reflejamos el tema del dinero: las drogas son una fuente de dinero negro.

Guernica,de Pablo Picasso

SIMILARIDAD, en esta fotografía hemos representado la mujer con el hijo muerto, la mujer de la ventana, el hombre muerto y el toro (el león de cartón). También hemos representado a Alemania (chica de la izquierda) que fue culpable del bombardeo. Este hecho histórico fue utilizado con fines propagandísticos por parte de ambos bandos (de ahí el tema del dinero). Una irónica y triste casualidad la constituye el hecho de que en la misma población existiera una fábrica donde se hacían el mismo tipo de bombas y proyectiles incendiarios que cayeron sobre ella.

  

El puente japonés, de Claude Monet

 PROXIMIDAD: hay cuatro figuras que se agrupan en dos grupos según su cercanía.

El grito, Edvard Munch

REPETICIÓN: se ven elementos repetidos un número de veces, el tema del dinero se ve reflejado al aparecer el precio de las réplicas del cuadro de Much, siendo las personas de abajo las que vendemos los cuadros.

La persistencia de la memoria, Salvador Dalí.

DE CIERRE.

Esta composición refleja cómo nos cegamos por el dinero, olvidándonos de la importancia del tiempo.

Constelaciones, Joan Miró

LEY DE LA BUENA FORMA: dos personas forman un sólo elemento, el símbolo del euro; que a su vez refleja el precio tan elevado que tienen los cuadros pertenecientes a un pintor tan reconocido como Miró.

MAKING OFF:

https://youtu.be/p8uFSF03Y8w

CLASE 9

María Jesús nos puso un vídeo en el que aparecían estorninos volando en conjunto como si bailaran. Cuando terminó, empezó a explicar las leyes de Gestalt, las cuales tendríamos que usar después para un trabajo en grupo.

Las leyes de Gestalt son cinco: de cierre, de similitud, figura-fondo, buena forma y continuidad. Son unas reglas que explican el origen de las percepciones a partir de los estímulos y apoyan la idea de que el todo es algo más que la suma de sus partes.

El trabajo que nos propuso hacer consistía en hacer una serie de fotografías en las que se apreciaran las leyes explicadas y un vídeo de todo el proceso, los temas a elegir eran animales, magia y obras famosas, todos ellos teniendo que estar relacionados con el dinero. El resultado de nuestro trabajo está subido en la siguiente entrada.

Ejemplos de las leyes de Gestalt:

FIGURA-FONDO

LEY DE CIERRE

CLASE 8

Hoy la profesora ha comenzado la clase recomendándonos un libro, La isla de hidrógeno. 

Luego nos ha explicado en qué consiste la composición: 

"Juntar varias cosas entre sí en un espacio buscando un efecto determinado"

Ha hablado sobre:

• Dirección, ascendente para dar un efecto positivo o descendente para da uno negativo (como en Lost).
• Simetría, vertical, horizontal o ambas.

Simetría vertical: sensación de equilibrio

• Asimetría:

Richard Avedon

• Triangular, apuntando al cielo (lo divino) apuntando hacia abajo (lo terrenal).
• Repetición, según María Jesús, es un método que siempre queda bien.

Andy Warhol, 25 Marylins

• Vertical y horizontal: espiritual, elegante y noble el primero; estático y relacionado con la muerte el segundo.
• Circular, oval y espiral: hacia dentro, recogimiento; hacia fuera, explosión.

Rafael Mahdavi, circular

• Horizonte: arriba (asfixiante), en el medio (equilibrio y estabilidad) y abajo (relajante)
• Posición de la mirada: desde arriba (humilla), desde abajo (ensalza) y de frente (de igual a igual, compromete). Me ha parecido interesante qe la mirada desde arriba es muy utilizada por políticos y antes, por los nazis, para dar sensación de autoridad.

Cartel nazi

A lo largo de la explicación, hemos analizado un par de imagen, clasificando el grado de iconicidad, la dirección, los colores más predominantes, etc. Me ha llamado la atención que María Jesús no base sus explicaciones en un libro, sino en su propia experiencia.

Después, nos ha pedido que hiciéramos composiciones en grupos, utilizando nuestros cuerpos, estas son las imágenes que hemos tomado:

TRIANGULAR ASCENDENTE

DESCENDENTE

HORIZONTAL

REPETICIÓN

SIMETRÍA